A lo largo de la pandemia, especialmente durante la cuarentena, millones de personas de todo el mundo recurrieron a los medios de comunicación de todo tipo para hacer frente al aislamiento, el miedo, la incertidumbre y el puro aburrimiento. 

Ya sean películas y programas de televisión de Netflix, videojuegos, libros o música, el mundo recurrió a los creadores para superar el trauma colectivo de una pandemia mundial.

Aunque está claro que las artes son una parte vital de la sociedad, trabajar en la industria puede ser a menudo una lucha, y sigue habiendo una falta de programas escolares adecuados para que los jóvenes se expresen creativamente.

En una entrevista con AL DÍA, Serena Huang y Bailey Spiteri, copresentadoras del podcast Creative Baggage, hablaron de la importancia de la educación musical y artística en sus vidas y de lo beneficiosa que es para todas las personas.

Creative Baggage es un programa basado en la conversación que "da voz al bagaje tácito de seguir una carrera en las artes".

Huang y Spiteri, ambos experimentados flautistas, hablan con varios artistas e intelectuales para transformar el concepto de creatividad.

Los copresentadores se conocieron oficialmente y se hicieron amigos mientras asistían a la Universidad de Temple, pero casualmente son de la misma zona de Nueva Jersey y han tenido algunos de los mismos profesores de flauta.

Spiteri dijo que su amistad fue como un soplo de aire fresco, ya que en el mundo de la interpretación musical suele haber mucha "mala leche y competencia".

Cuando se produjo la pandemia, tanto Spiteri como Huang estaban reevaluando sus vidas y trayectorias profesionales. Spiteri acababa de abandonar su doble licenciatura en educación musical para centrarse únicamente en la interpretación, y se sentía muy desanimada sobre el futuro de la educación musical en Filadelfia.

"Así que decidimos empezar a grabar algunas de nuestras conversaciones, y eso se convirtió en Creative Baggage, básicamente. Y en el podcast hablamos de una serie de cosas que preocupan a los jóvenes artistas creativos que se incorporan a entornos laborales no tradicionales", dijo Spiteri.

Ambos copresentadores han tenido experiencias "menos que sabrosas" con programas de educación musical en escuelas mucho más privilegiadas que las de Filadelfia. Por eso, cuando empezaron a darse cuenta de que los programas artísticos de la ciudad no eran lo suficientemente buenos, se convirtieron en uno de los temas principales del podcast.

"Nos apasiona la idea de que, independientemente de lo que se haga en la vida, ya sea médico, abogado o científico, la creatividad y el pensamiento artístico son necesarios, y creemos que es un derecho humano tenerlos en la educación", dijo Spiteri.

Huang y Spiteri están muy desanimados al ver que muchas escuelas dejan de lado la música y las artes. En la escuela primaria, fueron testigos de cómo STEM tenía prioridad sobre las artes, y sólo los estudiantes que destacaban en matemáticas y ciencias eran considerados exitosos.

"Pero la verdad es que es a través de estos programas que se enseña a los niños la inteligencia emocional, y especialmente en las comunidades de bajos ingresos, es tan importante que se les enseñe a procesar lo que están experimentando. Pero, por desgracia, muchas escuelas con la mayor población de niños que provienen de entornos difíciles son las que menos programas de bienestar emocional tienen", dijo Spiteri. 

Huang, que se encuentra ahora mismo en París, explicó las diferencias entre la educación musical en Francia y en Estados Unidos. 

Mientras que la música clásica está mucho más valorada en Europa y París, Huang dijo que hay mucho menos acceso universal a la educación musical a través de programas escolares. Así que, a menos que uno venga de una familia musical o pueda acceder a clases particulares, los jóvenes no están expuestos a la instrucción instrumental. 

Una de las cosas que más le gustan a Huang de la educación musical, cuando se ejecuta con éxito, es que no hay tanta presión sobre la excelencia y los logros. Hay mucho espacio para cometer errores y seguir creciendo mientras se divierten en el camino. 

"No se trata de alcanzar la excelencia instrumental, vocal o artística, sino de pensar de forma diferente. Para algunos niños, la música es mucho menos intimidante y aterradora que otras clases. En realidad, se trata de dar a todos los niños la oportunidad de tener algo que se les dé bien y en lo que se sientan seguros", dijo Huang. 

Para Spiteri, participar en la música mejoró drásticamente su bienestar social. Cuando se trasladó a un nuevo distrito escolar y tuvo un director de banda que animaba a sus miembros a participar en actividades extraescolares, a Spiteri le resultó más fácil abrirse y hacer nuevos amigos. 

"Tenía esta sensación de confianza en que tenía algo, que estaba creando algo. Y entonces toda la pequeña incomodidad social que sientes y que está tan focalizada cuando estás en la escuela secundaria y en el instituto se siente menos seria, porque puedo ir a casa y practicar mi flauta y hacer lo mío", dijo. 

En cuanto al tema de la promoción, ambos copresentadores aplauden el trabajo que se está realizando a través de las subvenciones y la recaudación de fondos para una educación artística de calidad, pero discrepan de la forma en que se enmarcan los beneficios de este tipo de educación. 

A menudo, el impulso a la educación artística se debe a las estadísticas que demuestran que las escuelas con programas de música obtienen mejores resultados en los exámenes. Pero Huang y Spiteri preferirían que el enfoque principal fuera el bienestar emocional, la confianza, la autoexpresión y el enriquecimiento. 

"Lo que nos hace únicos es que, al igual que nuestro podcast, abogamos por estas cosas, pero lo hacemos de una manera que no responde a ningún interés privado. Sólo nos preocupamos por lo que nos parece más importante, que es el bienestar de la próxima generación de niños estadounidenses", dijo Spiteri. 

Cuando se les preguntó sobre cómo es un programa musical de calidad, ambos anfitriones coincidieron en que el dinero es importante, pero no debe ser el centro. 

En la experiencia de Huang, ella tuvo un programa de música bastante bien financiado, pero acabó dejando la banda en el instituto porque ya no era divertida. 

"Aunque, en la escuela media, solía ser la mejor parte de mi día. Pero cuando llegué al instituto, no teníamos un programa que se sintiera acogedor, que se sintiera saludable, incluso para alguien que tocaba decentemente bien y conocía todas mis notas y ritmos... Simplemente no me lo pasaba bien", dijo Huang. 

Huang lo atribuye al patrón desalentador que se produce cuando un distrito escolar tiene dinero para dar a los programas de música. Esto tiende a atraer a los profesores que les harán ganar trofeos y el enfoque pasa de la diversión y la exploración a una estricta mentalidad de competición. 

Spiteri echoed this sentiment, saying that unless the principal of a school and the school board financially and emotionally support its music teachers, “you have nothing.” 

In their view, the success of a music program does not stem from the amount of trophies won, but in the ways the community shows up to support the student musicians. 

“Are people showing up to concerts? Are people enjoying the marching band and showing up to see it? Community support from all ends is what fuels the success, because when kids know that the whole town is showing up for them, they’re going to practice, they’re going to learn their notes, they’re going to find a way to fix their broken trumpet,” Spiteri said.